Étiquette : sans budget

Et c’est reparti pour un tour de difficulté. Aujourd’hui, dans cet article, on passe en revue le montage image (le montage son est dans un article séparé afin d’éviter d’être beaucoup trop long). Au programme donc : dérushage, ours et ROUGH, premières versions (oui, oui !) jusqu’à la version finale.

Le montage image.

Qu’est-ce donc que cette chose ? L’appellation est limpide, dans l’absolu. Ça consiste simplement à assembler les images ensemble afin de donner une structure, une narration.

Voilà, c’est tout. C’est la fin de notre article du jour.

Le monteur / La monteuse ?

Son rôle, sauf si vous êtes un(e) réalisateur(trice) solo chaperonnant le film de A à Z — auquel cas votre rôle —, est au préalable de lire votre scénario et de s’imprégner de l’histoire que vous racontez de l’histoire que vous souhaitez raconter.

Comme je l’expliquais dans un précédent article, le (la) monteur(euse) est un esprit créatif. Il ou elle va créer, composer, raconter votre histoire avec sa touche personnelle, avec sa personnalité. Quand tout se passe merveilleusement bien, le(la) monteur(euse) est complémentaire du réalisateur(trice). Ils et elles travaillent conjointement à la création de la meilleure histoire possible.

Choisir son/sa monteur(euse) est donc tout aussi important que de choisir ses acteur(trices) et technicien(ne)s.

Mais ça, c’est quand vous collaborez avec un(e) monteur(euse).

Le monteur-réalisateur. La monteuse-réalisatrice.

Malheureusement, ou fort heureusement, vous êtes chargé(e) du montage de votre film. Excellente nouvelle (ou non), vous allez en faire ce que vous voulez.

C’est le moment cruel où vous vous apercevez que le fameux « On règle ça en post-prod » est inapplicable dans notre monde.

C’est le moment où vous déposez la casquette de réalisateur(trice) pour l’échanger avec celle du (de la) monteur(euse). Celle où l’on compose avec les rushes. Celle où l’on raconte une histoire, parfois, différente de celle qu’on s’était imaginée. C’est aussi celle où on donne véritablement vie à l’histoire.

Entrons dès maintenant dans le vif du sujet.

Les différentes étapes du montage image.

Eh oui, comme à peu près tout, dans ce secteur, une nouvelle charge de travail et pas des moindres. Enfin, pour un petit court-métrage, c’est presque rien. Mais dès que l’on passe au calibre plus long… bref.

Étape 1 : importation et sauvegarde.

La première chose à faire est d’importer ses rushes.

Petit point technique : apparemment, on préfère utiliser le mot rushes. L’équivalent français existe cependant. On parle d’épreuves de tournage. Les rushes correspondent donc à l’ensemble des fichiers (maintenant qu’on est au numérique) originaux : images et sons.

Une fois l’importation effectuée. On sauvegarde ses fichiers sur un support externe. Pourquoi ? Sur certains — mauvais — systèmes d’exploitation, la gestion de gros volumes de fichiers vidéo entraîne ce que l’on appelle communément les bugs… aussi appelés Écran Bleu, mais on ne cherche à viser personne en particulier…

Parfois, cela ne se produit que lors du rendu–exportation. Alors prenons l’habitude de sauvegarder.

Étape 2 : Le dérushage.

Le dérushage consiste à regarder attentivement chaque plan, chaque prise, tournés par l’équipe de tournage. À regarder, donc, mais également à prendre des notes car, sur des projets longs, vous ne vous souviendrez pas de ce que vous avez pu voir.

Notez tout. Ce qui est bien, ce qui l’est moins. En dépit de ce qu’indique le rapport de continuité, servir l’histoire est votre seul but. On vous pardonnera un faux raccord si l’émotion est présente.

Gardez à l’esprit, surtout si vous n’êtes pas monteur(euse) et que vous incluez une tierce personne, que dix heures de rushes, c’est dix à quinze heures de dérushage, minimum.

Le dérushage est une étape primordiale. Ne pas connaître ses rushes, c’est le meilleur moyen de rater son montage. Par conséquent, cela prend du temps. Si le dérushage n’est pas effectué correctement, vous perdrez un temps très précieux en montage.

Si vous êtes aussi monteur(euse) son, vous devrez absolument dérusher tout le son. Mais, si vous ne l’êtes pas, vous devrez seulement dérusher les pistes correspondantes à celles que vous exploiterez dans votre montage.

Étape 3 : la toute première version, aka “Ours”, aka assemblage initial.

Les premières versions sont des versions brutes. La toute première est la plus brutale.

Les plans sélectionnés pour le film sont uniquement assemblés les uns aux autres dans leur ordre d’apparition, sans aucune coupure, sans aucun montage. Il s’agit seulement d’assembler les prises. Point.

C’est médiocre. C’est long. Mais indispensable.

Étape 4 : Premières versions aka ROUGH.

Je l’emprunte à l’anglais. Le film commence un tout petit peu à prendre forme.

On commence à ajuster les longueurs, les raccords…

Aparté raccord…

Type de raccord	Description
Raccord regard	Le personnage regarde dans une direction, ou un objet, le plan suivant correspond à l’objet/la direction regardé(e).
Raccord dans le mouvement	Le personnage (ou tout autre objet mouvant : voiture, balle, etc.) avance dans une direction et sort du cadre par la droite (par exemple), dans le plan suivant il doit entrer par le côté gauche. (et inversement)
Raccord plastique	Dans un dialogue (ou autre), on évoque un objet, ou un personnage, le plan suivant est cet objet, ou ce personnage.
Raccord son	Le son ou effet sonore amorce le raccord.
Raccord par masquage	Un personnage ou un objet finit par obstruer le cadre de la caméra, permettant d’enchaîner avec le plan suivant.
Raccord au flou	Assez simplement, soit le personnage sort de la zone de netteté de la caméra, permettant de raccorder à cause du flou. Soit le caméraman(woman) change la mise au point pendant le tournage.
	D’autres raccords existent…

Étape 4a : ROUGH.

On commence à réajuster les pistes sons, on synchronise le son grâce aux claps, soit fait à la main, soit au moyen d’un véritable clap. On indique les emplacements de titre, des effets spéciaux s’il y en a, on synchronise les dialogues, applique un montage assez brutal.

Les effets sonores sont encore manquants sinon sommaires. On commence à ajuster les longueurs et à réajuster les prises, en fonction des notes prises, etc.

Étape 5 : Améliorations…

On se penche désormais davantage sur les raccords. Puis, on vérifie que tout est bien à sa place, on vérifie le rythme. Enfin, on vérifie la structure. S’il y a des effets spéciaux à rajouter alors, c’est le moment idéal pour faire une pause avec le montage et réaliser lesdits effets.

De la même façon, c’est le meilleur moment pour se mettre à l’étalonnage. Le montage n’est pas terminé mais vous n’êtes pas à l’abri d’une petite retouche finale alors, étalonner des fichiers plus longs vous permet d’avoir de la matière pour recouper.

Étape 6 : Montage son…

Si vous faites vous-même le montage son, alors c’est l’heure de s’y mettre. Sinon, vous attendez qu’on le fasse pour vous.

Étape 7 : La touche finale, aka Final Cut

Là, normalement, vous connaissez le film par cœur. Tous ses défauts. Toutes ses qualités. Vous le revoyez encore et encore jusqu’à obtenir le raccord parfait, la temporisation parfaite et finalement, la touche finale.

Et c’est tout.

En effet, le montage, c’est assez technique mais aussi esthétique. Votre but est d’imprimer un rythme cohérent, qui vous est propre, à vous et à votre film. Oubliez le rythme des blockbusters, si vous devez être lent(e), soyez lent(e). Au contraire, si vous devez être plus rapide, soyez-le. N’ayez pas peur de prendre des risques. Cependant, n’en prenez pas trop. À vous de juger.

Pensez à montrer votre film à un public test afin d’obtenir des retours car, lorsque vous travaillez pendant des semaines sur votre film, vous pouvez être amené(e) à oublier — ou ne pas voir — l’erreur la plus grossière.

N’hésitez pas à regarder le plus de films possibles pour analyser le montage, les transitions choisies par les monteur(euse)s. N’attendez pas de faire votre film pour vous essayer au montage.

Le mot de la fin.

En conclusion, le montage n’est pas la partie la plus compliquée d’un film. Cependant, en fonction de la quantité d’effet, de plans à étalonner, de la complexité du projet, c’est une étape qui peut s’avérer longue.

Le montage est un art à part entière et j’ai envie de croire que si vous ne maîtrisez pas — ou que vous ne parvenez pas à maîtriser — cet art, alors il est préférable de le déléguer à quelqu’un d’autre. Additionner les plans, synchroniser les claps, ne sont pas les seules compétences requises. Il faut être capable de ressentir ce que l’on voit, de ressentir et surtout, de le faire ressentir.

Ce n’est donc pas compliqué, mais il faut l’avoir en soi. Et, quand on ne l’a pas, ou qu’on est trop timide, ne craignez pas de demander de l’aide à un(e) monteur(euse).

Dans cet article, on passe assez rapidement en revue le montage son, le mixage et ce, pour un film sans budget.

Cet article est dans la continuité logique du montage image.

En théorie, vous avez suivi notre précédent article sur le montage image. Vous savez que le montage son correspond, pour nous, à notre étape 6.

Pourquoi pour nous ?

Disons que les gros studios de production travaillent sur des médias hors ligne, ou médias proxy. Autrement dit, des fichiers compressés, de moins bonne qualité, afin de pouvoir avancer rapidement sur les différents montages. En cours de route, les fichiers proxys sont remplacés par les fichiers originaux de meilleure qualité et, ce sont donc des étapes supplémentaires.

Le montage sonore intervient donc en toute fin de production, avec ce procédé. Ce qui n’est pas le cas chez nous car le (la) monteur(euse) image est souvent aussi chargé(e) du montage son.

Montage son

C’est comme pour notre article précédent. Il s’agit de monter le son. Compliqué.

Les différentes étapes du montage son

Dans ce paragraphe, on passe en revue les différentes étapes nécessaires au bon montage sonore.

Étape 1 : Vérifier les synchronisations

Même si le son semble, à première vue, correctement synchronisé. Il est indispensable d’en faire une vérification, plan par plan. Une désynchronisation en changeant de plan, de prise arrive plus rapidement qu’on ne le souhaiterait.

Si une désynchronisation a lieu, on resynchronise. On s’aide au moyen du clap et, quand la situation est périlleuse, trop compliquée pour s’aider du clap, on s’aide des consonnes dites labiales. Autrement dit, on synchronise la piste audio à l’image avec le dialogue, notamment les [b],[m] et [p] quand les lèvres de l’acteur(trice) se touchent.

On peut aussi se risquer avec les consonnes dentales ([f] et [v]) qui se caractérisent à l’image par les dents du haut contre la lèvre du bas.

Ces repères sont généralement utilisés pour synchroniser les bandes rythmos lorsqu’il faut réenregistrer les dialogues en studio. Ils peuvent vous être utiles en cas de désynchronisation.

Étape 2 : Harmoniser, partie 1.

Dans cette première partie, vous vous assurez que les dialogues sont tous au même niveau sonore, surtout au sein de la même scène. Vous évitez ainsi qu’un acteur se mette soudainement à parler plus fort d’un plan à l’autre, puis moins fort, dans le plan suivant.

C’est le moment où vous coupez ces parties parfois parasitées par des bruits de bouches, des mouvements des acteur(trice)s lorsque les micros sont trop proches des vêtements… et où vous commencez à combler ces trous grâce àl’ambiance (ou Room Tone). Par ailleurs, pensez à enregistrer plus long qu’une simple minute d’ambiance.

Étape 3 : Harmoniser, partie 2.

Dans cette partie, une fois que vous êtes satisfait(e) de la première harmonisation, que les dialogues sont cohérents, vous commencez un prémixage. C’est la partie dans laquelle vous allez commencer à égaliser les voix, à les compresser — quand c’est nécessaire —.

Égalisation et compression, qu’est-ce que c’est ?

Le Compresseur est un processus automatique qui, selon le réglage, va limiter le niveau de sortie maximale et, dans le même temps, augmenter les parties sonores les plus basses.

La compression permet de contenir les écarts audios entre les parties les plus bruyantes et celles qui le sont moins. Beaucoup moins.

L’égaliseur est aussi un processus partiellement automatisé qui permet de corriger, modifier, altérer le timbre audio. Grâce à l’égaliseur, on peut corriger certaines fréquences spécifiques d’une piste audio, afin d’en faire sortir les voix, ou l’ambiance.

Étape 3a : Harmoniser, partie 2. Conclusion.

Le but de cette étape est de combler absolument tous les trous d’ambiance dans le but d’obtenir une continuité sonore sur les différentes scènes. Pour l’instant, ce montage sonore s’effectue séquence par séquence et non pas globalement.

Étape 4 : Effets sonores et bruitages.

Dans cette partie, il faut initialement mettre en sourdine les dialogues puis commencer à ajouter les effets sonores et bruitages au moment où ils correspondent le mieux dans le film.

Notamment, quand ils sont manquants. Quand ils sont directement présents sur les bandes enregistrées, il faut alors retravailler la compression et l’égalisation.

Les bruitages et effets sonores en place, on peut éventuellement recourir à l’égalisation et à la compression afin de bien faire ressortir ces éléments.

Étape 5 : Musicalisation, composition originale.

Si vous êtes chargé(e), en plus, de la composition musicale ou bien de l’acquisition des pistes musicales, c’est le moment où l’on s’y met avant de l’intégrer.

Cette fois-ci, on met toutes les pistes en sourdine puis on ajoute la musique. On compresse et égalise si nécessaire – bien que cela soit, en général, déjà fait –, par la suite on se prépare pour l’étape finale.

Où trouver de la musique ?

On fait une petite pause musicale. Vous avez besoin de trouver de la musique ? Vous ne savez pas où chercher ?

Soit vous avez des amis musiciens qui acceptent de vous faire de la musique, ou de vous fournir des morceaux. Vous êtes chanceux.

Ainsi, je vous propose quelques liens que j’ai pu utiliser pour divers projets. (Tous payants)

— Artlist.io : qui vous propose de la musique libre de droits mais dont vous devez vous acquitter d’une licence.

— Musicbed.com : comme au-dessus.

— Filmstro.com : pour ma part, l’un des meilleurs. Moyennant le paiement d’une licence, ce petit logiciel vous permet de caler votre musique en fonction de votre montage et de votre histoire, grâce à de petits curseurs.

— Audiio.com : l’un des plus chers que j’ai pu utiliser, mais également le plus qualitatif. Parfois, une bonne musique vaut mieux que vingt mauvais morceaux gratuits.

Étape 6 : Mixage

Cette fois-ci, on sort toutes les pistes de la sourdine. Normalement, c’est la cacophonie et c’est une bonne chose.

Il est temps de procéder au mixage final afin que tout ce brouhaha devienne quelque chose.

Cette partie s’effectue à l’oreille, et sur des enceintes ; on évite le casque, sauf à investir dans un casque professionnel, dit de studio. En effet, les casques sont réputés pour faire une mauvaise restitution de l’audio global et vous n’avez pas le droit à l’erreur. Un mauvais son, c’est un mauvais film.

Le mixage n’est pas quelque chose qui s’apprend mais qui s’expérimente. Si ça sonne bizarre alors, ça l’est. Corrigez, encore et encore. L’ensemble doit sonner harmonieusement, les dialogues doivent être parfaitement audibles, les ambiances doivent accompagner, comme les bruitages et autres effets sonores. La musique, elle, renforce l’émotion transmise par l’acteur(trice) et par votre montage.

Le mixage, contrairement aux étapes précédentes, concerne l’intégralité du film comme un seul ensemble.

Mais prenez garde ! Vos oreilles s’habitueront vite à votre mix. Faites régulièrement des pauses et ne surcorrigez pas.

Quelques valeurs

Pour vous aider dans votre mixage final, je vous mets à disposition quelques valeurs à viser pour harmoniser votre mixage.

L’ensemble du mix ne doit pas dépasser les -6db, on préférera viser des valeurs entre -14db et -8db.

Pour les dialogues, on visera des mesures entre -10db et -16db.

Pour la musique, on essaiera de se caler entre -18db et -24db.

Les effets sonores seront placés sur un assez grand ensemble de : -20db à -8db, avec des pics pour les effets les plus bruyants qui pourront ponctuellement atteindre les -6db.

Vérifiez toujours le VUMÈTRE, pour fixer vos niveaux.

Quels logiciels ?

Davinci Resolve a une fenêtre dédiée au montage son et au mixage, c’est quelque peu impressionnant mais ça peut faire l’affaire.

Premiere d’Adobe, sinon Audition — je crois — sont adaptés à ce travail.

Final Cut Pro X et Final Cut peuvent suffire au montage sonore et au mixage.

Reaper, gratuit pendant une certaine période, puis payant. Logiciel dédié au montage sonore et au mixage, très impressionnant et déconcertant.

Conclusion

Cet article ne respecte pas réellement la contrainte du sans budget, à cause du petit encarté musical. Mais, la musique c’est important et, si je recommandais à tous mes lecteurs d’utiliser la musique gratuite que fournit YouTube, les spectateurs d’internet se retrouveraient à regarder des films qui partagent tous la même musique.

Comme je l’expliquais au tout début de ce guide, réaliser un film sans budget est mission impossible. La musique, les effets sonores sont beaucoup trop importants pour être laissés au second plan, pour être de mauvaises qualités.

Nous arrivons donc au terme de notre guide, très court sur comment faire un film, sans budget. Aujourd’hui, ou peut-être demain, nous abordons sans plus attendre la diffusion, distribution et promotion de votre film. Ne perdons pas plus de temps et fonçons !

Cet article est court.

TOUDOUM.

Non, je plaisante.

Diffusion, distribution et promotion.

Ces deux points essentiels viennent ensemble, en général. En fait, la distribution est pensée en amont du projet, généralement les distributeurs qui financent — il me semble — une partie du film ont un véritable pouvoir de vie et de mort sur les films. J’ai envie de dire qu’ils ont même bien plus de pouvoirs que les producteurs.

En effet, les distributeurs connaissent presque à la perfection le public auprès duquel ils promeuvent les films. Ils connaissent ceux qui viennent dans les salles obscures. Ils savent quels sont les films qui marchent et ceux qui font inopinément des flops. Grâce au pouvoir magique de l’argent, ils peuvent influencer la distribution, les têtes d’affiche, mais également le montage final.

C’est pourquoi les distributeurs entrent très tôt dans les négociations.

Et si j’en ai pas ?

Pas de panique. Parfois les distributeurs tombent amoureux des pépites qu’ils découvrent en festivals et tout finit par s’arranger, après.

De temps en temps — la plupart du temps, pour les courts, il n’y a pas de distributeurs et c’est à vous de gérer toute cette partie complexe et longue… et importante… et… la liste est longue.

À quoi sert le distributeur ?

À distribuer.

Il s’occupe plus ou moins de la promotion du projet, de sa sortie en salle ou sur le Net, des copies. Il a suffisamment d’expérience pour vous dire quelle stratégie de promotion adopter. Voire même pour vous l’imposer.

En ai-je vraiment besoin ?

Pour un court ? Non.

Pour un long ? C’est préférable.

Vous pouvez gérer votre film intégralement de A à Z. Mais c’est beaucoup de travail alors, vous pouvez faire votre film puis l’inscrire en festival et espérer être remarqué par un distributeur touché par votre travail. Ou pas. C’est vous qui voyez.

En revanche, pour un film long, un distributeur, ce n’est pas juste un contrat qui vous garantit une sortie en salle ou à la télé. C’est également assorti d’un petit chèque. On s’éloigne du comment faire sans budget, MAIS… ce serait une erreur que de vous dire de faire un long-métrage sans distributeur.

Et si je fais sans ?

Vous devenez votre propre distributeur(trice). Vous êtes chargé(e) de distribuer votre film. En festival, dans tous les festivals, sur internet, sur les forums, dans les groupes Facebook, sur Twitter, Instagram, TikTok, et toutes les newsletters possibles et imaginables.

C’est là qu’on entre donc dans la partie DIFFUSION.

La diffusion et la promotion.

C’est limpide. Vous diffusez, partout où c’est possible. YouTube, Facebook, IGTV, etc.

Vous enchaînez les posts enflammés sur les réseaux sociaux pour promouvoir votre film, autrement qu’avec des images. Il faut énormément d’images. Énormément d’affiches promotionnelles. Énormément de contenus qui vous permettront de fédérer autour de votre projet une communauté, ce qui vous permet d’être vu(e)s, ce que vous cherchez à faire avec votre film.

Un film non vu est un film qui n’existe pas.

Publiez partout où c’est possible. Envoyez des mails à vos proches, à vos amis, à votre famille. Régulièrement, jusqu’à ce que le compteur de vues décolle.

Il faut publier, republier, poster et reposter quotidiennement ou presque, en permanence.

Il ne faut pas avoir peur de le répéter, de le promouvoir, quitte à em…-quiquiner le monde. C’est de la publicité. La radio ne gêne pas pour diffuser en boucle le morceau que vous détestez et qui finira par vous rester dans la tête, pas vrai ? Faites pareil.

Si vous en avez les moyens, sponsorisez vos posts pour toucher plus de monde. C’est triste d’en arriver là, mais les vues ne vont pas tomber du ciel.

Gardez à l’esprit que la promotion d’un long-métrage peut représenter une enveloppe de cent mille à PLUSIEURS MILLIONS d’euros.

Oui, MILLIONS avec un S, au pluriel. Rien que ça.

Vous n’avez pas ce budget, sinon vous ne seriez pas là. Cependant, c’est un moyen de faire rentrer quelques vues et c’est quelque chose qu’il faut garder dans un coin de son esprit.

Le mieux reste d’investir dans les festivals plutôt que dans de la publicité car, avec la pub, vous n’avez pas la garantie de toucher votre public alors que dans un festival, si. Seuls les passionnés de cinéma se rendent dans les festivals, tout le monde se rend sur Facebook.

Une bonne stratégie de promotion débute avant le tournage.

Vous ne pourrez pas prendre de photos une fois le tournage bouclé. Vous ne pourrez pas illustrer votre travail une fois que vous aurez tout terminé. La promotion, ça se travaille comme tout le reste. Ça se travaille et surtout ça s’apprend.

Les stories, c’est super. Et c’est un excellent outil pour bâtir une communauté. N’en abusez pas, et surtout gardez du contenu pour la sortie de votre film.

Montrer votre tournage en direct, c’est super. Mais, dans dix mois, vous aurez été remplacé par un autre créateur de contenus.

Ainsi, ce sera tout pour cet article sur la diffusion, distribution et promotion. Songez-y avant même de boucler votre scénario, vous gagnerez du temps et peut-être, quelques précieuses vues.

Ce sera tout pour boucler notre guide. En espérant qu’il vous soit utile.

À bientôt,

Paul.

Après autant de stress et de complexité, il est enfin l’heure de souffler. Un peu de facilité. La meilleure partie de la réalisation d’un film. Mais, c’est aussi le seul moment où l’on réalise vraiment son film. Attaquons le sujet du jour : le tournage !

On ressort les vieilles photos pour l’occasion.

Le tournage

Comme je l’expliquais plus haut, le tournage est le seul moment où le réalisateur est véritablement utile. Après ça, les monteurs(euses), si vous en avez, prennent le relais. Évidemment, ils (elles) vous informeront de comment votre film se comporte, mais vous n’aurez plus aucune influence possible. À part, peut-être, sur le rythme du montage. Mais, gardez à l’esprit qu’un(e) monteur(se) est aussi un esprit créatif, qu’il (elle) a sa liberté de créer et de broder à partir de vos rushes.

Autrement dit, c’est ici que tout se joue pour vous.

Réussir son tournage ?

Il n’y a pas de recette miracle pour réussir son tournage. Soyez prêt(e) !

Ne laissez rien au hasard. Prévoyez l’impossible. Relisez votre scénario. Connaissez-le sur le bout de vos doigts. Les indications de jeu qui pourraient être importantes, écrivez-les dans le scénario. Les indications complémentaires pour les plans et l’éclairage, pareillement.

En effet, le tournage ne commence pas le jour où l’on installe la caméra mais bien avant.

Alors, vérifiez que les batteries sont chargées. Vérifiez que les caméras sont prêtes. Vérifiez que le micro fonctionne. Vérifiez les costumes. Préparez les décors. Vérifiez la nourriture.

Revoyez vos découpages techniques. Revoyez vos plannings.

Quand ?

Une semaine à quarante-huit heures avant le début du tournage. Ne prévoyez rien la veille au soir pour le lendemain.

Pourquoi ?

Pour débrancher les deux jours avant votre tournage. Vous avez suffisamment travaillé, de plus, vous allez devoir gérer une équipe. Vous devez être frais(che) et avoir le cerveau disponible. Ne vous surfatiguez pas inutilement. C’est un marathon que vous courez, pas un sprint.

Le jour du tournage, tout s’enchaîne.

Si vous avez eu le malheur d’oublier un petit quoi que ce soit, alors vous le paierez ce jour-là. La journée paraît longue avant de l’avoir commencée, pourtant, une fois dedans, vous ne faites que courir après le temps.

Si vous êtes dans les temps alors, vous êtes en retard.

C’est un autre mantra dans le secteur. Quand vous êtes à l’heure, quand tout se passe bien, que vous êtes dans les temps, ainsi vous êtes d’ores et déjà en retard. Les minutes finissent inévitablement par s’accumuler et un petit rien vous met dedans.

Le jour du tournage, ce n’est pas le jour des essais.

Effectivement, ce n’est pas le jour du tournage qu’on essaie des plans, des effets, des costumes ou que sais-je encore. Tout cela se fait en amont du tournage, en préparatifs. Si vous dépendez d’acteur(trice)s ou de technicien(ne)s qui vous sont inconnu(e)s, que vous ne désirez pas solliciter davantage, alors, faites des essais sur vous ou avec des amis.

Vous n’aurez pas le temps pour ça.

Et surtout, pensez à clapper.

N’oubliez pas, non plus, d’embarquer un cahier (ou bloc-notes) pour tenir un rapport de continuité.

Qu’est-ce que c’est ?

Le rapport de continuité est rédigé par le (la) superviseur(se) de continuité — aussi appelé scripte. Ce rapport consigne les costumes que portent les acteurs(trices), les accessoires, les éléments du plan, plan par plan, prise par prise.

Ce rapport est censé prévenir les faux raccords tout en aidant les monteurs dans leur montage, les rapports comprenant le numéro des prises vidéos (indiquées sur le CLAP) ainsi que le numéro/nom des fichiers sons (indiqués sur l’enregistreur audio, si la prise est séparée de la vidéo).

Technique : quelques règles.

La règle des 180°

Il faut connaître quelques règles de placement de caméra, notamment. Lorsque vous filmez des scènes de dialogues où deux personnages se font face, vous devez imaginer une ligne infranchissable qui traverse les deux acteurs(trices), appelée ligne des 180 °. Vous devez placer votre caméra de l’un des côtés de cette ligne et ne jamais la franchir.

La règle des 30°.

Lorsque vous souhaitez changer d’angle, de placement pour votre caméra. Vous devez soit passer d’un plan dit large à un plan rapproché, soit vous assurer que votre nouvel emplacement d’où vous tournez forme un angle supérieur à 30°, par rapport à votre précédent emplacement.

L’éclairage.

Il doit rester identique d’un plan à un autre.

Technique de raccord.

Vous avez plusieurs possibilités pour raccorder vos scènes sur votre tournage. Soit, vous couvrez l’intégralité de votre scène avec un MASTER SHOT, qui généralement est un plan assez large de toutes les actions de votre scène et, au montage, sur ce plan, vous raccorderez vos différents plans de coupe.

Soit, vous filmez vos plans en prenant soin, pour chaque plan, d’avoir une action raccord d’un plan à un autre afin de pouvoir raccorder votre scène au montage. Par exemple : si votre personnage est assis et lit un journal au plan A et qu’il doit se lever pour aller dans la cuisine au plan B.

Vous filmerez dans le plan A le moment où votre personnage se lève. Sinon, dans votre plan B, vous filmez le moment où le personnage est assis juste avant de se lever.

Enregistrez de l’ambiance.

Quand vous filmez dans un lieu, quel qu’il soit, enregistrez trente secondes à une minute de son sans dialogue, ni bruit hormis les bruits naturellement présents dans le lieu. (On parle de Room Tone ou encore de Presence)

Et si je rate ?

Eh bien, alors, vous ratez. Ce n’est pas grave. Sauf si un producteur de renom vous produit.

Faire un bon film ne se fait pas le premier jour, ni du premier coup. Prenez le temps nécessaire à la bonne réalisation de votre film. Échouez, mais recommencez. Ne restez pas sur un échec. Si vous voulez arrêter, très bien. Mais uniquement après un succès. C’est la règle.

La pause facilitée est terminée. On reprend avec un sujet costaud comme il faut : la gestion des ressources humaines, qui répond à une problématique particulière : où trouver des acteurs, son équipe et comment diriger l’ensemble ?

Où trouver son équipe ? Où dénicher des acteurs ?

Commençons par ce que personnellement je déconseille, c’est-à-dire : les amis (non-initiés au cinéma).

Quoi de mieux, pour se faire la main, que de demander à ses connaissances, ses amis de longue date de nous fournir un peu d’aide pour réaliser son premier film.

Après tout, tant que ce n’est pas trop long, ni trop compliqué, pourquoi pas ? Vous comprendrez assez vite que vos amis finiront rapidement par vous répondre « Pourquoi » tout court.

Pourquoi eux ? Pourquoi ils vous suivraient dans votre projet fou ? Vous n’avez rien d’autre à faire de votre temps libre ? On pourrait aller au restaurant plutôt que de s’emmerder à tourner ta vidéo YouTube.

Vos amis ont d’autres choses à faire de leur week-end que de venir travailler gratuitement pour vous. C’est un conseil amical, si vous êtes une tête brûlée, libre à vous de ne pas le suivre. Vous ne pourrez pas dire que vous n’avez pas été prévenu(e)s.

Et les initiés, alors ?

Évitez aussi ?

Oui, c’est dur. Mais les ami(e)s initié(e)s qui continuent leurs études dans d’autres domaines, qui travaillent dans d’autres secteurs d’activité, qui ont d’autres aspirations le week-end, ne seront pas d’une grande aide. En tout cas, pas pour des projets longs et ambitieux.

Votre erreur serait de croire que le cinéma, c’est une petite passion, au même titre que la poterie ou l’atelier de composition florale.

Vous venez de passer des semaines sur votre scénario, des semaines sur le dépouillement et sur la préparation de votre tournage. Vous savez, d’ores et déjà, que le cinéma, c’est long et compliqué.

Ne sabordez pas tout votre travail en embauchant les mauvais candidats. Le cinéma, c’est physique. Pas seulement pour le réalisateur(trice) mais pour l’ensemble de l’équipe. On ne peut pas apprendre correctement son texte et ses dialogues avec trente heures d’études par semaine, vingt heures de travail à temps partiel, etc.

De cette même façon, on ne peut pas être frais et dispo pour tourner dès le samedi à huit heures. Ou, peut-être une fois, pour vous faire plaisir à vous, vous, le réalisateur(rice). Mais, vous n’avez pas besoin qu’on vous fasse plaisir, vous avez besoin de personnes qui prennent du plaisir à jouer et à interpréter le personnage que vous avez créé. Des personnes motivées et désireuses de travailler à vos côtés sur votre projet.

En revanche, vos ami(e)s initié(e)s qui poursuivent leurs études dans ce secteur, eux (elles), oui. Ce sera difficile de s’organiser pour trouver des disponibilités qui coïncident, mais ils (elles) seront plus à même de venir vous donner un coup de main sur vos tournages que ceux (celles) qui ont abandonné l’idée de faire du cinéma. Mais ne vous leurrez pas ! Un jour les obligations sociales feront qu’ils (elles) ne seront plus disponibles pour vous.

Si je dois éviter tous mes potes, je fais comment pour trouver des acteurs ?

Eh bien, une fois encore, il va falloir commencer par sortir de chez soi. On peut se rendre au sein des associations locales, dites troupes de théâtre, afin de laisser des tracts, de parler de son projet et de le soumettre à des acteurs, un tant soit peu expérimentés.

On peut aussi utiliser des sites internet un peu plus connus, comme cineaste.org ou encore de feu castinprogress qui a désormais changé de nom et que je n’ai pas eu le plaisir d’utiliser, depuis. En dernier recours, on peut toujours se rapprocher de groupes Facebook, ou bien, encore, tenter d’infiltrer, de se rapprocher de soirées “networking” (réseautage en bon François) afin de débaucher son équipe.

Trouver son équipe est la tâche la moins aisée. La plus compliquée. Si vous faites vos films dans un cadre, ou plutôt, dans un but semi-professionnel uniquement, alors il s’agit là de l’étape la plus compliquée de votre travail.

Pourquoi ?!

Tout simplement parce que votre équipe ne vit pas d’amour et d’eau fraîche, comme vous et moi, vos acteur(trice)s, technicien(ne)s, ont besoin de remplir leur frigo, ont besoin de pouvoir se payer des vacances, une sortie de temps à autre.

Trouver des individus qui accepteront de tout arrêter et de vous rejoindre dans votre projet, sans être rémunérés ? C’est autant compliqué que de trouver un producteur pour financer votre tout premier film que vous souhaitez, en plus, réaliser. Et, j’emploie le terme compliqué pour ne pas dire impossible.

À titre personnel…

Trouver mon équipe m’a pris sept ans.

D’abord, essentiellement constituée de connaissance et d’amis, les rangs se sont dégrossis au fil des années.

Les plateformes cineaste.org et castingprogress m’ont apporté du bon et du moins bon. Espoir et désillusion. Enterrant certains de mes projets. Une fois, le hasard m’a apporté sur un plateau un bon acteur. Puis, me l’a repris, car figurez-vous : tourner c’est compliqué.

Aujourd’hui, j’ai une bonne équipe. Une très bonne équipe, même. Mais cela m’a pris sept années.

Du coup, on fait comment ?

Malheureusement, si aucune alternative proposée n’a fonctionné, dans ce cas uniquement, vous composez avec ce que vous avez : si vos amis sont fiables, reposez-vous sur eux. Si ce n’est pas le cas, et que vous avez épuisé tous vos recours…

Mettez votre projet en stand-by. Cherchez sur ces mêmes plateformes internet un tournage que vous pourriez intégrer, faites-vous bien voir, faites-vous des amis, prenez des noms, des contacts, et ensuite : reprenez votre projet.

Ça ne sert à rien de se précipiter et je vous explique pourquoi dans les parties qui suivent.

Imaginons, comme moi, que vous ayez posté votre annonce sur internet, que vous receviez deux cents candidatures : c’est une excellente nouvelle. Vous allez pouvoir tourner votre projet, enfin, si vous ne vous trompez pas dans vos candidats…

Comment choisir, et qui ?

Vous avez réussi. Vous avez trouvé une équipe, ou vous avez complété celle que vous aviez déjà. De la même façon, vous avez aussi trouvé vos acteurs.

Comment trier la bonne candidature de la mauvaise ?

Prenez la peine de répondre systématiquement. Si le (la) candidat(e) ne répond pas, balancez la candidature. Cet acteur(trice) est sûrement trop sollicité(e), ou bien, il (elle) a envoyé sa candidature par automatisme. Il est peu probable qu’il (qu’elle) vienne sur votre tournage.

S’il (elle) vous répond, passez en revue son CV. Regardez sa bande démo. S’il (elle) n’a pas trop d’expérience, mettez-le (la) en haut de votre liste. Les acteurs(trices) sans trop d’expérience sont les plus disponibles et acceptent bien plus souvent les conditions de tournage moins professionnelles. Concernant les techniciens, privilégiez les étudiant(e)s ou jeunes volontaires aux autoentrepreneurs.

Votre boulot, ici, consiste à identifier au préalable une candidature potentiellement problématique. Il faut être capable de cerner la personne avec qui vous allez travailler avant même de la rencontrer.

Pourquoi ?

Eh bien, si votre équipe est composée d’ami(e)s, de connaissances, d’un cercle légèrement plus étendu de proches qui ne sont pas des professionnels, et de parfaits inconnus plus calés, les relations peuvent s’avérer tendues sur le plateau.

Sonder les gens, les jauger, c’est une qualité et une compétence qui s’apprend et se travaille. Si vous peinez à évaluer un profil, n’hésitez pas à rencontrer le(la) candidat(e) afin d’être fixé une bonne fois pour toutes.

Oublier les bisounours, considérer tout le monde comme hostile.

Au moins, au début. Surtout avec des inconnus. Chacun y voit ses intérêts, notamment quand personne ne connaît personne. Vous évoluez en terrain miné.

Partez du principe que vos candidat(e)s vous montrent uniquement ce qu’ils ont envie que vous voyiez. Poussez le vice à son paroxysme, notamment quand il s’agit d’acteur(trice).

Après tout, vous les employez pour mentir.

C’est triste mais c’est ainsi. Je ne compte plus les acteurs qui me ciraient les pompes la veille avant de disparaître le lendemain. Soyez vigilant et méfiant.

Éviter les égos démesurés.

Ça, c’est le type de profil à fuir comme la peste. Un(e) acteur(trice) trop confiant(e) est forcément mauvais(e). Il est hermétique à la critique, à la remarque et à la direction d’acteur. Vous n’en obtiendrez rien. Il (elle) vous rappellera, à vous et à votre équipe, à quel point il (elle) excelle, à quel point il (elle) est bon(ne), se vantera de ses collaborations professionnelles ou de ses réussites personnelles.

Ça parait parfaitement anodin. Si vous êtes comme moi, ça vous passera au-dessus.

Mais c’est une ERREUR.

Votre équipe, elle, si elle est composée de novices, le prendra personnellement et se sentira forcément rabaissée, pas à sa place, pas à la hauteur et vous fera faux bond.

Une équipe, c’est un tout.

Vous ne disposez pas de budget. Vous avez peu de moyens. L’humain, les relations humaines, c’est tout ce que vous avez. Ce collectif, c’est tout ce que vous avez. Vous devez laisser de côté ce type d’individus, même si sa bande démo montre qu’il (elle) joue bien, même s’il (elle) est charismatique, même s’il (elle) commence à se faire un nom.

Certaines erreurs se paient cash. Celle-ci est l’une d’entre elles.

Certains technicien(ne)s se comportent de la même façon, vous savez quoi faire.

Être clair(e) et rappeler vos dates de tournage.

Autre point à ne pas négliger. Vos dates de tournage et les durées estimées de tournage. Rappelez-les. Dès le premier échange. Beaucoup lisent les annonces en diagonales.

Sur un malentendu, vous vous retrouvez à valider une date à laquelle votre équipe n’est pas disponible. C’est le drame. Vous rappelez l’acteur(trice)/technicien(ne) en catastrophe, il (elle) n’est pas disponible à la date que vous aviez prévue, vous devez trouver un(e) nouvel (le) acteur(trice)/technicien(ne).

C’est une autre erreur qui se paie cher. Très cher.

Chasser du lapin.

Cette erreur est pas mal non plus.

Elle se rapproche de notre point sur les bisounours. N’allez pas croire que, parce que vos précédents échanges se sont bien passés, votre acteur(trice)/technicien(ne) sera présent(e) le jour de votre tournage.

Parfois, il (elle) prévient d’un empêchement ou d’un autre tournage rémunéré qui a pris la priorité sur votre projet. D’autres fois, absolument pas. Et vous ne saurez rien du pourquoi du comment.

Une astuce pour se sortir de ce type de situation ? Faites une rencontre en amont de votre tournage, prévoyez un petit buffet, ça vous permettra de faire connaissance. Ce n’est pas une technique cent pour cent gagnante, mais si vos acteurs(trices)/technicien(ne) ne se pointent pas, vous serez fixé(e).

Vous voyez, à présent, pour les moins chanceux, pourquoi il n’y a aucune raison de se précipiter pour faire un film.

Diriger son équipe.

Dernier point. Sensible celui-ci. Compliqué. Épineux.

Comment inspirer confiance et autorité sans devenir un tyran ?

Cela requiert de bonnes compétences humaines acquises tout au long de votre vie. Il faut savoir s’exprimer et s’imposer sans avoir pour autant à hausser le ton. Il est important d’être clair. Une fois encore.

Nul besoin de hurler, ou de crier pour que les choses avancent dans le sens que vous souhaitez. Restez à l’écoute. Surtout si vous travaillez avec des personnes plus expérimentées que vous. Et, si ce n’est pas le cas, restez d’autant plus à l’écoute.

Que vous le vouliez ou non, vous êtes le(a) réalisateur(trice). Le titre pompeux accolé à votre nom impressionne, que vous travailliez avec vos ami(e)s ou non. Étonnamment, les gens peineront à s’imposer à vos côtés alors, restez accessible et simple.

Diriger les acteurs(trices).

Si un acteur ne fait pas ce que vous souhaitez, c’est que vous vous êtes mal exprimé(e), que vous n’avez pas donné suffisamment d’indications. Il est peu probable qu’un(e) acteur(trice) qui se déplace, pour vous, décide de son propre chef de faire un truc que vous ne voulez pas… (sauf si c’est un profil que vous avez voulu garder en ignorant mes conseils…)

N’hésitez pas à le (la) reprendre, mais écouter son avis est tout aussi important. Ne soyez pas avare en compliments à la seule condition d’être absolument honnête et de ne pas passer votre journée à lui cirer les pompes.

Cette partie de direction d’équipe et notamment d’acteurs se résume assez simplement en : une main de fer dans un gant de velours.

La tâche la moins aisée de la gestion des ressources humaines.

Être prêt(e).

C’est le seul moyen de diriger son équipe fermement et autrement que dans le mur. Si vous avez tout bien préparé en amont, que votre planning est clair, que votre découpage technique est clair, que les accessoires, costumes et décors sont prêts, alors l’ensemble de votre équipe vous suivra, sans ciller, en toute confiance.

Désamorcer des situations.

Vient enfin la partie qu’aucun réalisateur ne veut avoir à gérer.

Admettons pour une raison ou pour une autre que le ton monte sur le plateau. Coupez court aux échanges, exigez le silence et faites une pause.

Si un acteur(trice), technicien(ne) passe son temps à dévaluer le travail d’un(e) autre technicien(ne), acteur(trice), reprenez–le(la) immédiatement. S’il (elle) n’en a que faire de vos remarques, virez–le (la).

Si, après six heures de tournage, vous n’avancez plus sur votre tournage, mettez-y un terme. À partir de ce point-là, vous ne ferez rien d’autre que d’ajouter de la fatigue aux organismes.

Ne prenez jamais (ou presque) parti… et gardez à l’esprit que si vous travaillez avec des ami(e)s, des proches et des parfait(e)s inconnu(e)s, chaque partie croira que vous êtes, de toutes les façons, partiales.

Vos ami(e)s penseront que vous tenez avec ces parfait(e)s inconnu(e)s parce que vous avez besoin d’eux (elles). Ces inconnu(e)s supposeront que vous tenez avec vos ami(e)s comme vous vous connaissez depuis longtemps.

Les premiers tournages sont pénibles. Tant que la confiance n’est pas établie. Tant que les liens ne sont pas créés. Après, parfois, il est plus facile d’avoir de l‘affinité avec certains individus… mais ce n’est pas toujours le cas.

Cet article sur le comment trouver son équipe, comment trouver des acteurs, comment les diriger touche à sa fin.

Si vous êtes arrivé(e) jusqu’ici…

Alors, vous êtes un(e) candidat(e) prometteur(se).

Ce secteur est semé d’embûches. Réussir est compliqué et relève davantage de la chance que de l’acharnement, de longues heures et des journées de travail, et des sacrifices que vous ferez sur vos week-ends, jours fériés et vacances.

Beaucoup d’articles et de vidéos vous font croire monts et merveilles, beaucoup vous font croire qu’on est tous gentils, bons, bienveillants et bien intentionnés. Ce n’est pas le cas.

Vous vous ferez avoir plus de fois que vous ne l’imaginez.

Vous échouerez plus de fois que vous ne l’espérez.

Et c’est une bonne chose. Il faut seulement se lever plus de fois que l’on a été à terre.

C’est en multipliant les tentatives que vous réussirez éventuellement, un peu comme au Loto. Mais, vous devez être prêt(e) à l’éventualité que tout se casse la gueule et que vous vous retrouviez seul(e) et sans rien.

Si vous n’êtes pas prêt(e) pour cette éventualité, alors patientez un peu avant de vous lancer dans votre projet de film.

Allez, un petit article facile. Les deux derniers étaient costauds. Soufflons un peu, ça vous dit ? Voyons comment on fait pour trouver des lieux mais également ses décors.

Où dénicher des lieux de tournage ?

Honnêtement ? Tout autour de vous. On peut, et vous pouvez, tourner presque partout à condition d’en demander l’autorisation ou de vous assurer d’obtenir tous les droits nécessaires à votre tournage.

Qu’est-ce que cela veut bien dire ?

En France, certains bâtiments de notre patrimoine sont soumis aux droits d’auteur, ou plutôt au Code de la Propriété Intellectuelle et les filmer, sans l’autorisation adéquate, reviendrait à photocopier La Joconde pour la commercialiser. Autrement dit, de la contrefaçon.

Ainsi, il vous revient d’identifier les bâtiments que vous êtes susceptibles de filmer et de vous assurer que vous pouvez effectivement tourner devant ces derniers. Cette obligation ne concerne pas uniquement les anciens bâtiments mais également les récents, réalisés par des architectes, qui eux aussi bénéficient de la protection de leur propriété intellectuelle.

C’est ça, ton article facile ?

J’avoue, avant de me lancer, dans ma tête, ça paraissait simple.

Parce que ce n’est pas fini, certains domaines forestiers, notamment ceux appartenant à l’Office National des Forêts, par exemple, nécessitent une demande d’autorisation formelle, au minimum trois mois avant le début de votre tournage.

Oui, vous avez bien lu. Trois mois. Quatre-vingt-dix jours. Vous n’avez pas intérêt à vous planter dans vos dates, donc.

Pour tourner dans Paris, avec du matériel, une équipe et tout le tralala, afin d’être tranquille, il vaut mieux formuler une demande d’autorisation de tournage auprès de la Préfecture de Police de Paris.

Certains diront qu’on est trop protocolaire, mais il n’y aurait rien de pire que de voir son tournage interrompu pour un défaut d’autorisation.

Imaginez : vos acteurs(trices) se sont déplacé(e)s pour rien, le matériel loué peut être saisi, mais surtout vous devrez le louer de nouveau, une journée supplémentaire, pour finir votre tournage, votre crédibilité difficile à acquérir sera entamée durablement, en bref, votre projet sera tombé à l’eau avant même que vous ayez pu commencer.

Il faut finement jouer, dans ce milieu, beaucoup de choses peuvent mal tourner, sans mauvais jeu de mots, les problèmes évitables ? Évitons-les.

Ainsi que ce soit à Paris ou ailleurs, partez du principe que votre tournage va déranger, va troubler l’ordre public, faites un courrier au maire, expliquez-lui ce que vous souhaitez tourner dans sa ville, la plupart du temps, les autorisations sont accordées sans heurts. Si on vous la refuse ? Cherchez un autre endroit.

Oui. Mais où ?

J’y viens. J’y viens.

Pour les intérieurs, c’est pareil. Que ce soit des amis, de la famille. Prenez des photos avant le tournage. Couchez tout sur papier et prenez une assurance ou bien, montez une cagnotte.

Casser le vieux vase en porcelaine de l’arrière-grand-mère du duc de je-ne-sais-quoi, c’est quelque chose qui se produit en moins de temps qu’il n’en faut pour l’écrire.

Un pied de caméra qui abîme le canapé en cuir, c’est une situation que vous devrez gérer. Le plafonnier endommagé par une perche de micro, c’est pareil.

Oh, vous avez fracassé le miroir en installant le trépied, c’est vraiment pas de chance.

Quoi que vous ayez prévu de tourner, imaginez le pire. À chaque fois.

Imaginer le pire et espérer le meilleur, c’est un peu notre mantra dans ce secteur.

Par chance, cela arrive rarement. Mais, si ça doit se produire, vous devez être prêt(e)s. Vous faites un film, vous dirigez une équipe, vous n’avez pas le droit à l’erreur sur cette partie.

L’ambiance est glaciale, non ? Quoi qu’il en soit, c’est pour votre bien.

OK, maintenant que tu m’as bien refroidi, je les trouve où, moi, mes lieux de tournage ?

Partout. Pour cela, vous avez internet qui vous offre des sites de repérages déjà effectués par des professionnels. Vous pouvez tenter votre chance, sur un malentendu, cela peut passer.

Sinon, il ne vous reste plus qu’à enfiler une bonne paire de chaussures, à vous préparer un sandwich, une bouteille d’eau, à armer votre appareil photo et à battre le macadam à la recherche du lieu parfait.

Il n’y a pas de recette miracle. Quand on ne dispose pas de budget, on cherche soi-même des lieux de tournage. Que ce soit à pied, à vélo ou en voiture ou même sur internet, on se bouge.

C’est l’occasion de faire un peu de sport, autre chose que de se muscler les doigts sur le scénario.

Les lieux sont tout autour de vous, les seules contraintes sont :

1. De vous assurer que vous pouvez effectivement tourner en ces lieux ;
2. De vous assurer que ces lieux ne sont pas protégés par des droits d’auteur ;
3. D’obtenir au préalable toutes les autorisations nécessaires ;
4. D’être correctement assuré(e)s ou d’avoir suffisamment de ressources, en cas d’incident sur un lieu de tournage.

Facile.

M’ouais. Et pour les décors ?

Parce que ce ne sont pas les mêmes choses ?! Pourraient demander quelques étourdis.

La réponse, c’est oui et non. On peut directement tourner sur les lieux que l’on a préalablement repérés.

Mais parfois, ces lieux ne sont pas suffisants, parfois un petit truc ne va pas, il faut changer la peinture, rajouter un pan de mur, rajouter une ouverture, remplacer un meuble ou deux.

C’est là que vous entrez dans la partie décor.

Soit vous laissez votre lieu tel quel et vous vous accommodez de l’installation déjà en place, soit vous usez d’effets spéciaux pour améliorer ce qui ne correspond pas à ce que vous imaginez.

Soit, vous redoublez d’efforts, vous vous armez de courage et de cartons, de traverses en bois, de peinture et papier peint, puis vous clouez, collez, peignez, ajourez, sur vos ajouts en carton bois l’habillement nécessaire pour améliorer votre lieu de tournage.

C’est le moment où vous ajoutez la bibliothèque et les livres, si vous en avez besoin. Celui où vous installez les photos de famille qui donnent du contexte à votre film et de la profondeur à votre personnage. Celui où vous agencez les tapis, rideaux et plantes vertes pour octroyer une âme à votre création.

D’accord, mais si je n’ai pas tout ça ?!

Alors faites, sans. Ce n’est pas grave. En tout cas, ça importe peu pour vos premières créations.

Gardez seulement à l’esprit qu’un lieu, c’est un endroit où on va planter le décor et le décor, c’est ce qui apparaîtra à la caméra puis dans les salles obscures.

Et c’est tout ce qu’il fallait savoir pour trouver son lieu de tournage. La fabrication, à proprement parler, des décors fera l’objet d’un autre article, plus complet. Plus tard.